Cette année marque le 25e anniversaire de Rodgers & Hammerstein’s Cendrillon. Même après avoir été racontée maintes et maintes fois, cette version particulière de 1997 reste un favori des fans. Ayant une qualité qui dépasse ce que d’autres adaptations n’ont pas réussi à capturer, on peut affirmer que Cendrillon 1997 résiste à l’épreuve du temps.
Alors pourquoi cette version de Cendrillon tenir bon? Il y a beaucoup de raisons qui vont au-delà de la simple construction du film lui-même. Bien que certains puissent dire que cela est dû à la valeur de production, étant le film télévisé le plus cher de son époque, il existe des raisons bien plus fondamentales.
De Whitney Houston à Brandy, le casting de Cendrillon a apporté son A-Game
Le casting représente bien leurs personnages et est diversifié, présentant un front contre les préjugés. Cendrillon les adaptations ont souvent présenté le rôle principal masculin et féminin blanc classique. Cette version se diversifie, réunissant non seulement des acteurs blancs mais aussi asiatiques, noirs, et bien d’autres.
La fée marraine de Whitney Houston aide vraiment à ouvrir et à fermer le film avec captivation. Bernadette Peters reflète si bien son rôle de belle-mère que certains pourraient penser qu’elle ne jouait pas. Whoopi Goldberg et Victor Garber incarnent parfaitement leurs rôles de reine et de roi, alternant majestueusement entre parents et dirigeants. De plus, le grincement emblématique de Goldberg est toujours hilarant. Brandy donne même une nouvelle impression au rôle de Cendrillon, ajoutant une perspective différente à un personnage souvent décrit comme sans défense et maltraité.
Cendrillon est un festin visuel
Les visuels jouent également un rôle dans la façon dont Cendrillon est réuni. L’attention est portée directement à l’écran par Houston dans un flux doré étincelant. Elle a terminé plusieurs scènes de cette façon, de sorte que les téléspectateurs n’aient pas eu l’impression qu’il y avait une chute. Dans un sens de conception à la fois pour les costumes et les détails d’objets comme la calèche, les visuels ont également contribué à créer une sensation de conte de fées. Le générique de fin a également été bien fait, permettant aux téléspectateurs de profiter de la fin au lieu de l’encombrement constant qui l’accompagne habituellement.
Le scénario et la musique de Cendrillon ont modernisé le conte classique
Le script présente des caractéristiques rafraîchissantes, offrant de l’humour dans des scènes tendues pour alléger l’ambiance. Certains exemples seraient lorsque Cendrillon insulte par inadvertance ses demi-sœurs, disant que cela ne convient à aucune d’entre elles après qu’elles aient toutes les deux essayé le même chapeau. Une autre scène présente le majordome (Jason Alexander) lorsque le prince revient au château, disant qu’il était bon d’être parmi de vraies personnes. Il dit au prince que les vraies personnes ne sont pas ce qu’elles sont toutes censées être : « Regarde-moi, je suis une vraie personne. Ça te dit quelque chose ? » Une autre brûlure de malade montre à quel point le majordome est repoussé par la belle-mère lorsqu’elle essaie de flirter avec lui, et le majordome répond qu’il souhaite qu’il y ait quelque chose entre eux : « un continent ».
La musique de Rodgers & Hammerstein est classique mais mise à jour pour une nouvelle ère, ne se révélant pas répétitive et ancienne. En fait, l’orchestre met magnifiquement en valeur certains segments du film qui déclenchent des sentiments que le public perçoit dans le personnage lui-même, comme l’excitation ou l’incertitude. Le passage entre les scènes musicales se fait sans effort d’une manière où il ne semble pas trop surjoué. Les séquences de danse sont fantastiquement chorégraphiées, offrant des scènes complexes et bien équilibrées. C’est particulièrement le cas sur la scène du marché et du bal. La scène du marché a tellement de choses qui se passent qu’on se demanderait comment ils ont réussi à ne pas trébucher. De même, la séquence de danse de salon est si immaculée que les danseurs ont presque l’air d’être mécaniques.
L’un des aspects les plus étonnants de Cendrillon de 1997 sont les leçons de vie et les connaissances ajoutées à l’histoire elle-même. Au début, il se concentre sur le fait que deux personnes de deux mondes différents peuvent être proches l’une de l’autre et peuvent ou non se rencontrer, introduisant la croyance au destin. Le majordome dépeint la folie de son travail, montrant à quel point sa position est chaotique et exigeante, soulignant le fardeau dans les environnements de travail. Même les réactions de Cendrillon envers sa belle-mère et ses sœurs reflètent à quel point il n’est pas acceptable de rejeter inutilement la responsabilité sur les autres. Bien que le thème du « rêve grand » soit toujours d’actualité, la pensée est renforcée par les mots de Cendrillon et de sa fée marraine : c’est bien d’être à l’aise, mais il faut faire quelque chose à propos de ses rêves au lieu de simplement souhaiter qu’ils se réalisent. D’autres adaptations n’ont pas offert de tels détails ou des scènes extrêmement bien conçues dans un seul gros paquet ainsi que ce Cendrillon fait, expliquant pourquoi ce film peut encore toucher son public 25 ans plus tard.
