Bien que certaines des blagues et du contenu de ses films se soient heurtées à l’examen moderne, il est indéniable que John HuguesLes réflexions sur l’adolescence et les joies et les peines de grandir sont devenues des univers intemporels. Patauger à travers la bousculade comique des années 80 a ses récompenses sous la forme de récits profondément compréhensifs qui se soucient des personnes au seuil de l’âge adulte. L’humour bouffon de Hughes « jeter du pop-corn à l’écran » est le tirage au sort, mais ce qui incite les fans à revenir à ses films pour se réconforter, c’est son regard classique et magnifiquement véridique sur la vie. Voici les 7 meilleurs films de John Hughes, à la fois en tant qu’écrivain et réalisateur.

Seize bougies (1984)

Seize bougies

Discussion des téléspectateurs modernes sur Seize bougies se limite principalement à s’assurer que quiconque l’entend sait que le spectateur a remarqué tous ses éléments problématiques. Pourtant Samantha, Molly Ringwald, le premier personnage de John Hughes, est le moteur de cette Rolls-Royce rayée et bosselée. Avec une sensibilité incroyable, elle apparaît comme une représentation complète d’une adolescente, travaillant à travers les maux de la majorité en banlieue. L’intrigue est mince mais mouvementée; Lorsque les parents de Samantha oublient son seizième anniversaire, elle est déterminée à passer un bon moment et à avoir la douce seize ans de ses rêves malgré eux. En cours de route, ses interactions avec The Geek (Anthony Michel Salle) font allusion aux thèmes que Hughes cristallisera plus tard dans sa filmographie sur l’acceptation parmi les groupes sociaux d’adolescents.

Dès la première fois que Hughes est devenu réalisateur, il est déjà immédiatement évident de savoir qui sera le réalisateur en tant que cinéaste. Ici, il développe les one-liners citables, la douce histoire d’amour, les réflexions sur la croissance et l’humour dingue (y compris de nombreux indices musicaux de La zone de crépuscule et autres médias). Le tout avec un style de réalisation classique qui garde ses films aussi intemporels qu’ils sont figés dans les années 80. Dans ses meilleurs moments, Sixteen Candles rappelle à ses spectateurs cueilleurs de boutons que grandir est un sentiment magique, et il se démarque de ses autres œuvres en embrassant la maturité à bras ouverts plutôt qu’en soulignant la tristesse de l’âge.

Elle va avoir un bébé (1988)

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Image via Paramount Pictures

Un joyau sous-estimé de la période tardive dans la filmographie de John Hughes, Elle va avoir un bébé jette un œil à ce qui arrive à un Brat Packian lorsqu’il épouse son amour de lycée et doit devenir son propre parent. Si Kevin McCallister est devenu Ferris Bueller, sa prochaine étape est Kevin Baconle personnage de Jake, avant d’atterrir en tant que Chevy Chasele père fatigué des vacances. Avant son mariage, Jake plaide avec son meilleur ami, Davis (Alec Baldwin dans l’un de ses meilleurs costumes et performances de tous les temps), pour lui dire s’il pense que le couple sera heureux dans sa vie ensemble. « Ouais, vous serez heureux », annonce Davis, « Vous ne le saurez tout simplement pas, c’est tout. »

À partir de ce moment, le film se lie à cette promesse parfaite, cette description de ce que même de bons mariages peuvent être dans leurs premières années. Ce portrait de la vie domestique peut sembler ringard pour certains, car le roulement des yeux Élection-les séquences fantastiques gâtent les scènes dramatiques tandis que moins de temps d’exécution est consacré à l’établissement de la romance de base. Mais il y a une vraie vérité ici qui résonne bien. Le premier et le dernier acte, aboutissant à un montage de la vie conjugale destiné à Kate Bush, sont étonnamment réels et honnêtes. Elle va avoir un bébé présente le meilleur des réflexions de Hughes sur la famille et comment s’épanouir en faisant partie d’une famille plutôt qu’en rébellion contre elle.

Jolie en rose (1986)

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À partir de maintenant, Hughes a des classiques indéniables; de superbes photos qui mettent en valeur tout ce qui le rend attirant avec un minimum de défauts. Alors que Hughes n’a pas dirigé Belle en roseil ne fait pas exception (en dehors de James Spaders’intitule morveux d’un personnage qui n’aime pas entendre le mot « non » étant une personnification de la culture du viol). Une pièce adorable, le film suit Molly Ringwald en mode hipster alors que son personnage, Andie, navigue entre ses camarades de classe ouvrière et les enfants riches et snob. A travers cela, un triangle amoureux émerge entre Andie, son meilleur ami Duckie (Jon Cryer), et le preppy Blane (Andrew McCarthy).

Une histoire à l’ancienne sur les amants maudits, Pretty in Pink’s le plus grand choix est de capturer la beauté des contes de fées. Howard Deutch revient sur cette liste, réalisant avec un scintillement dans l’objectif de la caméra qui donne l’impression qu’un gymnase de lycée ressemble à Neverland. Il y a un modernisme dans une histoire de Cendrillon à propos d’une fille qui fabrique sa propre robe, même si la fin semble un peu simpliste. Dans ce monde de laques pour cheveux et de disques vinyles qui tournent du plafond, une simple histoire de surmonter le classisme du « mauvais côté de la piste » convient parfaitement.

Avions, trains et automobiles (1987)

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Image via Paramount Pictures

Avec un titre qui fait la guerre à la virgule d’Oxford, Avions, trains et automobiles est le sommet de la sensibilité comique de John Hughes. Waylaid sur le chemin du retour pour Thanksgiving, Neal (Steve Martin) rencontre un nouvel ami joyeux (Jean Bonbon, ordonnant au public de rire ou de pleurer à volonté) qui adoucit son impolitesse tendue alors qu’il tente de rentrer chez lui. Écrivant et réalisant scène après scène de la comédie d’or, des doublures idiotes à la formidable comédie physique, Hughes découvre une muse en Martin, qui utilise parfaitement sa parodie d’un homme de famille raide et en col blanc comme une feuille forte.

Le film contient également le rôle parfait pour Candy qui ajoute juste assez de cœur à son personnage pour que le public ne le déteste pas par son attitude d’excuse sans être un pushover. Hughes écrit un discours emblématique pour Candy qui rappelle au personnage de Martin qu’il est une vraie personne avec des sentiments, plutôt qu’un simple archétype comique. C’est ce qui rend la capitale du cinéma G Great ; ce sont de vraies personnes, piégées dans une situation caricaturale jusqu’à ce qu’elles deviennent elles-mêmes presque, mais pas tout à fait, aussi caricaturales. Vous auriez du mal à trouver un film avec plus de charme en gardant son moteur en marche, et contrairement aux nombreux véhicules titulaires du film, celui-ci continue de passer à la vitesse supérieure jusqu’à la toute fin.

Seul à la maison (1990)

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Image via 20th Century Fox

Alors que certains aiment se concentrer sur cet être Chris Colomb‘ troisième film en tant que réalisateur, les empreintes digitales de Hughes en tant qu’écrivain sont indéniables, de l’humour physique souvent scandaleux à l’arc du personnage de son protagoniste, du chat effrayant au maître confiant du piégeage. Kevin Mc Callister (Macaulay Culkin) déteste sa famille, qui, pendant le rush de Noël pour partir en vacances, l’a quitté, vous l’aurez deviné, Seul à la maison. Il va devoir apprendre à grandir avant le réveillon quand un couple de voleurs (Joe Pesci fléchissant les muscles comiques sous-utilisés aux côtés Daniel Stern) envisagent de cambrioler sa maison.

Les bouffonneries puériles de Hughes n’ont jamais été aussi ridicules alors que son protagoniste défend sa maison contre les intrus maladroits. Aussi puéril que cela puisse paraître, seul à la maison fournit le cœur sous la forme de la mère de Kevin (une performance sous-estimée de Catherine O’Hara) alors qu’elle essaie de revenir vers lui. La prise de conscience de Kevin, semblable à Scrooge, selon laquelle il devrait accepter d’avoir une famille reflète les vices que beaucoup ont pendant les vacances à propos de passer du temps avec des parents ennuyeux, et son véritable arc vers les aimer lui rappelle qu’il a toujours été heureux; il ne le savait tout simplement pas.

Le jour de congé de Ferris Bueller (1986)

Alan Ruck, Mia Sara et Matthew Broderick dans Ferris Bueller's Day Off

Oh ouais! De Science étrange aux avions, trains et automobiles, Hughes a clarifié une philosophie très fondamentale dans ses films ; si vous voulez mûrir vers le succès, vous devez laisser l’insécurité à la porte. Ferris Bueller, le protagoniste titulaire suave, cool et imperturbable de Le jour de congé de Ferris Bueller possède cette philosophie, et transforme son meilleur ami Cameron (Alan Ruck) en un exemple vivant. Adolescent avec la confiance d’un politicien, Ferris décide un jour d’enlever la journée de l’école et d’en faire une journée inoubliable pour Cameron et pour sa petite amie, Sloane (Mia Sara). Contrairement à la plupart des autres films de lycée de Hughes, Matthieu Broderick‘s Ferris est le chat le plus cool, à l’opposé d’un paria. À travers ses bouffonneries, Hughes dit à son public adolescent qu’il peut battre le système s’il a juste le courage de laisser tomber les petites choses, de tenir tête à l’autorité. Une lettre d’amour à Chicago (la ville natale de cet écrivain) et jouant au hooky, le film est un monument pour se souvenir de se détendre et de profiter de la vie pour ce qu’elle est.

Le club des petits déjeuners (1985)

Judd Nelson, Emilio Estevez, Ally Sheedy, Molly Ringwald et Anthony Michael Hall en détention

N’oublie pas Le club du petit-déjeuner! Mais comment pourriez-vous? L’histoire de cinq enfants de différents coins du lycée se réunissant pour un après-midi de détention tapageuse, de discussion cœur à cœur, de substances inhalées et, curieusement, pas de petit-déjeuner, est devenue un classique mythique. Comme la plupart de la filmographie de Hughes, certains éléments ne résistent pas aux yeux modernes, et beaucoup conviendraient que les enchevêtrements romantiques du film sont, au mieux, ses pires éléments. Mais il n’y a rien qui capture ce moment d’adolescence tout à fait comme ça. Le club du petit-déjeuner met en bouteille ce sentiment adolescent d’être à la fois invincible et impuissant face à l’autorité et à la société qui a déjà décidé qui vous êtes au moment même où vous essayiez de le comprendre vous-même.

Le cinéma de Hughes en tant qu’écrivain et réalisateur est à son apogée, créant des lignes citables et des moments dignes d’affiches qui sont restés avec le public depuis la sortie du film en 1985. Tant qu’il y a des adolescents, tant qu’il y a ceux qui sentent que la société les place dans une boîte, tant que chaque émission télévisée comique de Les Simpsons à Communauté continue de parodier la séquence de danse, The Breakfast Club restera dans les mémoires comme un film qui, comme Hughes lui-même, a donné une voix à une génération.