Michel MannLa carrière de peut être divisée en deux moitiés très distinctes. Sa première ère (définie par des films comme Chaleur et Chasseur d’hommes) a présenté une approche raffinée et presque romanesque de la narration, avec des histoires radicales sur des personnages complexes qui avaient l’impression d’avoir été arrachés à la page d’un tome classique, le tout raconté avec un niveau de finesse technique qui transformait même la scène la plus banale en un moment grandiose.

Sa deuxième ère est très différente, changeant son esthétique propre de prise de vue sur film pour une esthétique qui embrasse le nouveau monde courageux de la photographie numérique, donnant à ses films un look radicalement différent qui se sent plus proche d’un film amateur que d’un long métrage à gros budget. Les réglages de Miami Vice et Chapeau noir existent dans une plaine abstraite de l’existence où les couleurs et les images transmettent des histoires avant le dialogue – le lyrisme numérique par le biais de l’ère du silence. À cela s’ajoutent des personnages qui semblent plus proches des machines que des personnes, des vecteurs pour transmettre des émotions et des humeurs qui complètent les mondes expressionnistes dans lesquels ils existent. Il est fascinant de voir l’approche de Mann en matière de cinéma passer à un style si différent (mais tout aussi gratifiant), tout en réussi à conserver les éléments distinctifs qui ont fait de lui un réalisateur si admiré. Regarder sa filmographie dans l’ordre permet à quelqu’un de voir ce changement en temps réel, et bien que les lueurs de sa deuxième ère puissent être aperçues dans Alic’était son thriller néo-noir de 2004 Collatéral qui marquait le carrefour entre l’ancien et le nouveau.

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Image via DreamWorks Pictures

Se déroulant en une seule nuit à Los Angeles, le film suit le chauffeur de taxi Max (Jamie Foxx) alors qu’il devient un participant involontaire à une série d’assassinats perpétrés par Vincent (Tom Croisière), un tueur à gages qui est aussi son passager actuel. Alors que le film coupe parfois pour se concentrer sur les enquêtes du détective LAPD Ray (Marc Ruffalo) ou les activités de la procureure fédérale Annie (Jada Pinkett Smith), Mann garde fermement l’accent sur Vincent et Max, suivant leur odyssée d’effusion de sang dans les rues étranges de LA. et son équipe qui l’élèvent bien au-delà de ses attributs habituels, obtenant la rare distinction de plaire à la fois aux critiques et au grand public.

Initialement conçu comme une fonctionnalité à petit budget pour HBO avant de trouver son chemin vers DreamWorks (où Russel Crowe et Adam Sandler ont été fixés pour les rôles principaux), garantie a marqué la première fois que Mann a adopté la cinématographie numérique pour un film entier (à quelques exceptions près), ce qui a donné un look radicalement différent de celui auquel le public était habitué. Malgré cela, Mann a toujours gardé un pied dans le style de ses films précédents, avec une histoire claire racontée de manière discrète. Ce n’est pas Miami Vicecommençant à mi-chemin de son récit et obligeant les téléspectateurs à rattraper leur retard pendant une demi-heure tout en se frayant un chemin à travers des noms sans fin et des technobabbles, optant plutôt pour une ouverture beaucoup plus lente qui présente délicatement toutes ses pièces avant que le chaos n’éclate.

Max est le public de Jamie Foxx

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Image via DreamWorks Pictures

Une grande partie de ce temps est consacrée au développement de Max, peut-être le personnage le plus sympathique à avoir jamais joué dans un film de Michael Mann. Au moment où le soleil se lèvera sur la litanie de corps criblés de balles que Vincent a laissés dans son sillage, le public en saura assez sur Max pour écrire sa biographie. Il est le parfait substitut du public, son ignorance de tout ce qui est illégal justifiant les brefs moments d’exposition qui clarifient l’intrigue. Les films de Mann présentent souvent des protagonistes qui ont déjà une longue histoire avec la pègre, mais des films comme Heat et chasseur d’hommes soulagé le spectateur sans devenir trop verbeux. Ses films ultérieurs ont évité cette approche, forçant le spectateur à ramasser les morceaux eux-mêmes qui cimentent leur idée de l’histoire littérale prenant la deuxième place à une sélection plus large de thèmes et d’émotions. Dans des films comme Miami Vice cela fonctionne à merveille, plongeant le spectateur dans une version de la Floride alimentée par la drogue qui semble tout aussi détachée que ses personnages (tout en fonctionnant également comme une subversion élégante de ce à quoi les fans de la série télévisée s’attendraient), mais c’est aussi une décision qui a fait ses preuves polarisant. Collatéral ne le fait pas, cependant, en s’en tenant à une voie plus simple qui ne nuit jamais à son objectif de blockbuster élégamment réalisé.

L’un des aspects les plus frappants de la garantie est son style visuel. Le look de la vidéo portable lui donne une apparence qui ne ressemble à rien d’autre, qui n’a d’égal que les films ultérieurs de Mann qui pousseraient le style encore plus loin. Bien qu’il n’abandonne pas complètement les techniques de prise de vue traditionnelles – chaque scène intérieure a été tournée en 35 mm, tout comme les scènes extérieures de jour – la majeure partie du film utilise ce look très intime et très granuleux qui transforme Los Angeles en un personnage pleinement réalisé à part entière. droit. Plutôt que d’essayer de masquer son utilisation du numérique via la manipulation de post-production, Mann annonce haut et fort sa nouvelle fascination, profitant de tous ses avantages. Sa capacité à filmer en basse lumière se combine avec son look fait maison pour donner des garanties une sensation d’improvisation qui l’aide à éviter le lustre d’une production hollywoodienne typique. Parfois, on a l’impression de faire partie d’un documentaire converti qui suit Vincent et Max tout le temps, et lorsque le film interrompt le chaos pour se concentrer sur un petit groupe de coyotes traversant les rues vides de LA (une surprise étonnamment moment serein et magnifique), l’immédiateté du travail de caméra vous donne l’impression d’être à leurs côtés.

La deuxième ère de Mann est clairement enracinée dans le 21e siècle

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Image via DreamWorks Pictures

De même, cela donne également au film une touche résolument moderne comme si le passage d’un siècle à l’autre avait déclenché un changement dans la perception du monde de Mann. Les progrès technologiques modifiant fondamentalement la nature de la narration, il semble que Mann ait voulu adopter plutôt que rejeter ce changement, associant la nature du XXIe siècle de Collateral histoire avec la forme avec laquelle elle est présentée. Neuf ans plus tôt de Robert De Niro Neil McCauley examinait des plans physiques sous la faible lueur du plafonnier d’une voiture, et maintenant tout ce dont Tom Cruise a besoin est caché sur une tablette PC qui revêt une telle importance qu’il tue presque Max après l’avoir détruit. Pas même 10 ans ne se sont écoulés depuis Heat, mais le monde est déjà un endroit très différent, et Mann est là pour le documenter.

Vincent est un personnage étrange, existant simultanément des deux côtés de la carrière de Mann, ce qui le rend encore plus énigmatique qu’il ne l’est déjà. Son rôle de criminel solitaire qui suit un code d’éthique strict a des retours évidents sur les protagonistes de Voleur et Chaleur, mais la façon froide et inhumaine dont il perçoit la vie humaine le rapproche de la caractérisation en sourdine vue dans les films ultérieurs de Mann. Au cours d’une scène, Vincent rend visite à la mère de Max à l’hôpital, et alors qu’il semble tout à fait agréable lors de cette rencontre, l’illusion est brisée peu de temps après lorsqu’il annonce (sans la moindre émotion) qu’il reviendra la tuer si Max ne le fait pas. ne fais pas ce qu’on lui dit.

Un autre type de protagoniste

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Image via DreamWorks Pictures

Des personnages comme Miami Vice Sonny (Colin Farrell) ou Blackhat Nicolas (Chris Hemsworth) sont des protagonistes très inhabituels pour un film d’action à gros budget, dépourvus du charisme ou de la relativité que ces films optent généralement. Parfois, on peut avoir l’impression qu’ils mènent une guerre vaine contre l’assaut d’un monde qui a sablé toutes les émotions humaines jusqu’à ce que nous ne soyons plus qu’un tas de 1 et de 0 sur un écran d’ordinateur, et cela montre à quel point passionnément d’emprise qu’ils gardent sur les quelques choses tangibles de leur vie. En tant que protagonistes d’une version expérimentale d’un film d’action hollywoodien, ils sont parfaits, mais pour un public général à la recherche d’un divertissement simple, ils peuvent sembler un peu rebutants. Vincent évite ce problème pour deux raisons principales : premièrement, il est le méchant, pas le héros ; et deuxièmement, la froideur de sa personnalité est directement liée à son rôle de tueur à gages, exacerbant l’amertume entre lui et Max/le spectateur.

Quand Neil meurt à la fin de Heat, de nombreux téléspectateurs peuvent ressentir une touche de tristesse malgré le fait de l’avoir vu commettre divers meurtres et vols tout au long du film. Malgré tous ses défauts évidents, il y avait un homme décent enterré sous son costume, et il n’a jamais été suggéré qu’il ait fait ce qu’il a fait pour un plaisir dépravé et sadique. Mais quant à Vincent, qui sait ? Nous en apprenons très peu sur lui, et ce que nous obtenons pourrait facilement être un mensonge. Il est peu probable que sa mort suscite beaucoup de sympathie, et délibérément. Fait intéressant, il existe un parallèle direct entre l’introduction de Neil et la conclusion de Vincent. Le premier ouvre son film en entrant à Los Angeles via un train, et le second sort le leur dans un train quittant Los Angeles. Un moment de tissu conjonctif entre deux des plus grandes œuvres de Mann, mais il peut aussi être interprété comme un passage symbolique du flambeau d’une époque à l’autre – les anciennes manières archaïques disparaissant à l’horizon tandis que la lueur de l’aube nouvelle annonce le arrivée du nouveau.

Il n’est pas rare que les fans plus âgés de Mann soient laissés froids par son travail le plus récent, tandis que nombre de ses nouveaux admirateurs ont du mal à revenir à ses premiers films en raison de leur approche plus conventionnelle. C’est fascinant, alors, de voir Collateral attirant des supporters des deux côtés de l’allée. Il a le travail de personnage complexe de l’ancien et l’expérimentalisme numérique du nouveau, le mélangeant dans une histoire engageante qui plaît à tous les types de cinéphiles. Pour certains, c’était le dernier film vraiment grand que Mann ait jamais réalisé, et pour d’autres, il marquait le début de sa nouvelle renaissance. Quoi qu’il en soit, c’est sans doute son mélange le plus réussi de sensibilités d’art et d’essai et de bons divertissements à l’ancienne, et seuls les meilleurs réalisateurs peuvent y parvenir.